ania Franco Klein est une photographe de la solitude, de l’isolement, de l’aliénation qu’elle théâtralise dans d’énigmatiques mises en scène

Gabrielle Duplantier est une photographe qui brouille les lisières entre le réel et ses innombrables récits tout en témoignant avec authenticité

Le travail de Desiree Dolron est mondialement reconnu pour ses portraits et ses séries visuelles immersives, explorant identité, mémoire et émotions humaines

Teresa Wilms Montt eu un destin flamboyant et tragique, son œuvre en porte la fascinante empreinte.

Lee Miller fut une femme à la vie tumultueuse et libre car fondamentalement rebelle. Sa vie est comme un condensé du 20° siècle !

La photographie d’Erwin Olaf est un astucieux mélange de sophistication et de provocations mêlant les genres pour mieux semer la confusion et créer de multiples tensions narratives

Saul Leiter a pratiqué durant toute sa carrière une photographie sensitive, la texture de la lumière ou des couleurs étaient son sujet. Dans In My Room il laisse courre à l’échange sensuel baigné de lumière

Misia Sert, muse et mécène de la Belle Époque, entourée d’artistes comme Édouard Vuillard, a marqué le monde artistique parisien par son influence

Oskar Kokoschka et Alma Mahler connurent une passion dévorante et vouée à l’échec. Le peintre expressionniste se libera de son obsession à travers une étrange poupée grandeur nature de son ancienne maitresse

La photographie parce qu’elle à avoir avec le temps révolu et retenu est peut-être le médium par excellence pour exprimer la délicatesse et la résilience

Anna Weyant est une jeune peintre canadienne à la notoriété fulgurante. Sa démarche consiste dans une facture classique à dépeindre les temps modernes

Les égéries ont toujours occupé une place essentielle dans la vie des artistes. Marthe Bonnard, Dina Vierny et Vera Broïdo sont à cet égard emblématiques

Lavinia Fontana est une de ces femmes peintres, réputées en leurs temps, que l’histoire officielle de la peinture a négligées et que des historiens de l’art ont récemment exhumées de l’oubli, à juste titre

Misia Sert, muse et mécène de la Belle Époque, entourée d’artistes comme Édouard Vuillard, a marqué le monde artistique parisien par son influence

Comme Courbet, dont il s’inspire, Currin défie les conventions et pousse les spectateurs à reconsidérer leurs idées préconçues sur l’art et la beauté.

Leonora Carrington fut bien plus la partenaire de creation que la muse de Max Ernst. De lui elle apprit tout mais selon ses mots pour suivre ensuite une voie très singulière.

Katinka Lampe dresse inlassablement des portraits en formes d’icônes post-modernistes d’adolescents, d’être en devenir…au sein des apparences !

Pierre Bonnard a été au même titre que Gauguin, Matisse et d’autres subjugué par l’Ukiyo-e qui ouvrait de toutes nouvelles perspectives permettant de s’échapper du naturalisme

Sylvie Selig, peintre octogénaire à la renommée toute récente, emprunte aux contes leurs vocabulaires pour mieux évoquer les sombres turbulences de la vie

Digressions sur la prolixité de la peinture

Peinture et langage: le référent et les références

Un tableau nous parle, oui nous parle, et de bien des manières.

Les signes les plus superficiels que nous communique le tableau c’est ce que Barthes appelait concernant la photographie: le « studium ». C’est-à-dire ce que dit l’œuvre à travers notre culture et donc l’histoire de la peinture, et plus largement les arts visuels. On reconnait tel style, tel héritage. Au delà on pourrait aussi en évoquant Bourdieu parler d’identification de classe, etc.

Jeremy Liron est un jeune artiste peintre français qui autour de l’architecture et sous la lumière du Sud construit un discours pictural mélancolique

Anders Zorn est un artiste peintre suédois contemporain des impressionnistes qui a pratiqué une peinture virtuose des sensations et de la lumière

Katinka Lampe est une artiste peintre hollandaise qui déploie des portraits d’adolescents tels des archétypes de l’époque des selfies

Jean-Michel Alberola obtient le Grand Prix 2017 de la Fondation Simone et Cino Del Duca

Quistrebert, The Light of the Light. Les frères Quistrebert donnent à voir la vanité des codes culturels et leur attachement au médium de la Peinture

Yoko Ono, est une des figures emblématiques de l’art contemporain et du mouvement Fluxus, pionnière de l’art conceptuel, son œuvre mêle performance, musique et engagement politique

Le mouvement Fluxus dans la lignée de Dada et le Surréalisme à voulu libérer l’art des institutions en le rapprochant de la ‘vie’, la photographie eut un rôle central quoique que minoré dans ce courant artistique

Ren Hang le très fameux photographe poète chinois voit son originalité proclamée remise en cause par un amateur averti

La photographe anglaise Polly Penrose fait de son corps un accessoire prenant place dans des lieux abandonnés qui deviennent alors des sculptures visuelles

Ana Mendieta était une artiste de la performance et du body art il est pourtant impossible de la cantonner dans ces frontières bien trop étroites pour elle

Baptiste Rabichon est un artiste français à l’ascension fulgurante, son travail se caractérise par une forme de collage syncrétique post-moderne

Thomas Mailaender est un jeune plasticien et photographe français, collectionneur compulsif, qui a fait des images vernaculaires sa matière première

Elina Brotherus la photographe plasticienne finlandaise des idées en acte et virtuose de la lumière naturelle expose au Centre Contretype, Bruxelles

Butz&Fouque: deux jeunes plasticiennes qui pratiquent sous la forme de l’humour une hybridation qui questionne l’identité et les limites du corps

Yung Cheng Lin est un artiste taïwanais illustrateur, sculpteur et photographe qui soumet le corps féminin à d’étranges métamorphoses

Des fulgurances de la sincérité

Francesca Woodman, A eu une vie et une carrière fulgurantes. Elle s’est donnée la mort à 22 ans. Son œuvre est également fulgurante, riche et très imaginative. Ce qui caractérise le plus immédiatement le travail de Francesca Woodman c’est probablement sa sincérité mais aussi une forme d’immédiateté.

Les photographies de Francesca Woodman sont presque toujours des mises en scène, qui rappellent évidemment les grands photographes surréalistes.

Le travail de Desiree Dolron est mondialement reconnu pour ses portraits et ses séries visuelles immersives, explorant identité, mémoire et émotions humaines

Comme Courbet, dont il s’inspire, Currin défie les conventions et pousse les spectateurs à reconsidérer leurs idées préconçues sur l’art et la beauté.

La franchise de Nan Goldin sa volonté d’exposer, sans filtre, sa vie et celles de ses proches a changé la façon dont la photographie est perçue et pratiquée.

Leonora Carrington fut bien plus la partenaire de creation que la muse de Max Ernst. De lui elle apprit tout mais selon ses mots pour suivre ensuite une voie très singulière.

Teresa Wilms Montt eu un destin flamboyant et tragique, son œuvre en porte la fascinante empreinte.

Katinka Lampe dresse inlassablement des portraits en formes d’icônes post-modernistes d’adolescents, d’être en devenir…au sein des apparences !

Lee Miller fut une femme à la vie tumultueuse et libre car fondamentalement rebelle. Sa vie est comme un condensé du 20° siècle !

Découvrez l’histoire tumultueuse du Cabaret Voltaire, l’impact de Dada, à travers le parcours d’Emmy Hennings et Hugo Ball.

Leonora Carrington fut bien plus la partenaire de creation que la muse de Max Ernst. De lui elle apprit tout mais selon ses mots pour suivre ensuite une voie très singulière.

Teresa Wilms Montt eu un destin flamboyant et tragique, son œuvre en porte la fascinante empreinte.

Lee Miller fut une femme à la vie tumultueuse et libre car fondamentalement rebelle. Sa vie est comme un condensé du 20° siècle !

Sylvie Selig, biographie et galeries d’images

Sylvie Selig, peintre octogénaire à la renommée toute récente, emprunte aux contes leurs vocabulaires pour mieux évoquer les sombres turbulences de la vie

Anna Weyant est une jeune peintre canadienne à la notoriété fulgurante. Sa démarche consiste dans une facture classique à dépeindre les temps modernes

Brooke DiDonato (née en 1990 dans l’Ohio, vit et travaille principalement à New-York) dans la filiation d’un Guy Bourdin et des surréalistes nous offre dans son travail ce qu’elle désigne elle-même comme « des gourmandises pour les yeux ». Il faut immédiatement préciser d’étranges gourmandises. Entre Guy Bourdin et les surréalistes la photographe américaine procède à des collages amenant à des collisions visuelles, des télescopages qui font émerger l’imaginaire, l’étrange et l’onirisme à partir de situations des plus banales. Elle emprunte à Guy Bourdin une réduction de moyen similaire, une certaine sensualité distanciée et matinée d’un aspect doucereux ; aux surréalistes elle reprend le collage et les « hasards objectifs ».

Agnès Geoffray est une photographe plasticienne française qui questionne la circulation des images et l’intranquillité qui les habite

Gilbert Garcin un jeune artiste photographe de 60 ans et plus

Gilbert Garcin, photographe reconnu des amateurs et assez populaire, quoique beaucoup en ignore le nom tout en reconnaissant ses images, s’est éteint, dans son sommeil, à l’âge de 91 ans, le 17 avril 2020, à Marseille.

© Gilbert Garcin. Le choix décisif.

Gilbert Garcin l’artiste autodidacte

Gilbert Garcin est une singularité dans le monde des arts visuels. Le photographe provençal était à la fois un jeune artiste et un homme âgé lorsqu’il s’engagea, par accident, dans la création photographique. En effet, alors qu’il pensait vouer sa retraite à la pêche et au repos après une carrière d’entrepreneur dans la vente de luminaires, il se lança, voulant occuper ses journées, dans l’apprentissage de la photographie.

Catherine Balet est une plasticienne qui utilise la photographie numérique et ses moyens de manipulation comme un outil de décomposition et reconstruction.

La photographe anglaise Polly Penrose fait de son corps un accessoire prenant place dans des lieux abandonnés qui deviennent alors des sculptures visuelles

Markus Akesson pour employer un terme à la mode est un peintre “disruptif”. Cette œuvre nous parle longuement et durablement mais on ignore de quoi !

Michaël Borremans à la galerie Zeno X. Chérubins barbares, portraits en latex, rituels étranges et Annonciations composent cette nouvelle exposition

Peter Martensen est un peintre danois qui dépeint tel un entomologiste à tendance surréaliste la société et l’histoire livrées à l’absurdité

Butz&Fouque: deux jeunes plasticiennes qui pratiquent sous la forme de l’humour une hybridation qui questionne l’identité et les limites du corps

Yung Cheng Lin est un artiste taïwanais illustrateur, sculpteur et photographe qui soumet le corps féminin à d’étranges métamorphoses

Michaël Borremans dans un tableau intitulé The Banana se livre avec une bonne dose d’ironie à un exercice de style virtuose et particulièrement efficace

Michael Borremans peint des tableaux comme des vedute qui en guise d’ouverture, de perspective offrent des miroirs réflexifs

Michaël Borremans, Girl with duck, en vente chez Sotheby’s London. Une œuvre très représentative du travail de l’artiste peintre belge

Michael Borremans: « Une bonne œuvre d’art n’est ni une réponse ni une question. Une bonne œuvre est un nœud.» Cette phrase résume assez bien son œuvre

Les Tanagras sont des des figurines en terre cuite de la Grèce antique. Elles connurent un immense succès au-delà de l’antiquité.

5 portraits de femmes idéalisées par des hommes ou des autoportraits sans concession de femmes peintres du 15° au 16° siècle

Rétrospective Le Greco au musée du Grand Palais

Δομήνικος Θεοτοκόπουλος (Ελ Γκρέκο), Domínikos Theotokópoulos.

Tombé dans l’oubli durant des siècles, le Greco fut l’un des plus singuliers, sinon le plus singulier des artistes de la Renaissance tardive, s’inscrivant dans une tendance maniériste aussi bien par l’originalité de sa mise en scène que par la facture de ses tableaux. Ce peintre que l’on voit « extravagant » pour son époque, un « génie discordant » redécouvert par Théophile Gauthier lors de son voyage en Espagne (1840), et ensuite par Maurice Barrès (1911), fascine toujours à travers son monde pictural, dès sa première présentation au musée du Prado (1902), et jusqu’à présent, comme en témoigne la dernière exposition organisée au Grand Palais (du 16 octobre 2019 au 10 février 2020).

Lavinia Fontana est une de ces femmes peintres, réputées en leurs temps, que l’histoire officielle de la peinture a négligées et que des historiens de l’art ont récemment exhumées de l’oubli, à juste titre

Frantisek Kupka dans le tableau intitulé L’Eau, (la baigneuse) livre de manière magistrale sa vision symboliste de la peinture et annonce l’abstraction

Leonard de Vinci : Salvator Mundi, Christie’s New York vient de parvenir à une enchère historique de 450,312,500 $ avec cette oeuvre de Da Vinc

Anders Zorn est un artiste peintre suédois contemporain des impressionnistes qui a pratiqué une peinture virtuose des sensations et de la lumière

Katinka Lampe dresse inlassablement des portraits en formes d’icônes post-modernistes d’adolescents, d’être en devenir…au sein des apparences !

Pierre Bonnard a été au même titre que Gauguin, Matisse et d’autres subjugué par l’Ukiyo-e qui ouvrait de toutes nouvelles perspectives permettant de s’échapper du naturalisme

Pierre Bonnard a été au même titre que Gauguin, Matisse et d’autres subjugué par l’Ukiyo-e qui ouvrait de toutes nouvelles perspectives permettant de s’échapper du naturalisme

Marthe Bonnard, la femme et égérie de Pierre Bonnard, est souvent considérée comme un mystère. L’origine même de sa relation à son futur mari repose sur une invention

Paolo Roversi est un photographe de mode assumé qui se consacre également à des portraits photographiques épurés, singuliers et authentiques

La photographie d’Erwin Olaf est un astucieux mélange de sophistication et de provocations mêlant les genres pour mieux semer la confusion et créer de multiples tensions narratives

Irving Penn à part de son travail de photographe de mode n’a jamais cessé d’aborder de manière originale et peu conventionnelle la photographie de nu

Juergen Teller a révolutionné la photographie de mode en détachant le produit de la marque ! La marque n’est plus un produit mais une posture, une attitude, une forme de distinction

Deborah Turbeville a, dans années 1960, initié une nouvelle approche de la photographie de mode qui a été déterminante

Coco Capitan est une jeune photographe plasticienne au succès fulgurant, à 27 ans tout juste, une importante rétrospective lui est consacrée à la MEP, intitulée Busy Living

5 portraits de femmes idéalisées par des hommes ou des autoportraits sans concession de femmes peintres du 15° au 16° siècle

5 portraits de femmes idéalisées par des hommes ou des autoportraits sans concession de femmes peintres du 15° au 16° siècle

5 portraits de femmes idéalisées par des hommes ou des autoportraits sans concession de femmes peintres du 15° au 16° siècle

Richard Serra, Hiroshi Sugimoto et Joe la sculpture, ou quand la sensation est l’œuvre et la forme

Diogo Pimentão est un artiste portugais réputé qui sculpte en dessinant, non sur un plan, mais dans l’espace, le geste du dessin trace des lignes en volume

La galerie White Cube propose une nouvelle exposition du sculpteur anglais Antony Gormley qui aborde explicitement la question de l’anthropocène

Antony Gormley dans sa nouvelle proposition Stand au musée de Philadelphie peuple encore et toujours le paysage de ses sculptures totémiques

art contemporain - Mark Manders est un plasticien néerlandais qui met en scène d’étranges personnages de glaise qu’il dissèque, sectionne, hybride comme autant d’autoportraits

Lucy Glendinning est une artiste conceptuelle au sens premier, elle réalise des sculptures mises en scène suivant le lieu, qui sont comme autant de réflexions sur le devenir problématique de l’Humanité

Berlinde de Bruyckere est une plasticienne et sculptrice qui a fait de l’angoisse face à la violence, la souffrance et la mort, le cœur de son travail

César dans la rétrospective au Centre Pompidou revient en pleine lumière il apparaît dans les paradoxes qui font toute la force de son travail

David Altmejd pour sa 4° exposition personnelle à la galerie Xavier Hufkens nous présente ses derniers travaux, continuités et divergences

David Altmejd, dans cette œuvre, Untitled 2 (Bronze Bodybuilders), on retrouve toujours la même obsession pour la narration et les boucles temporelles

L’hyperréalisme dans la sculpture contemporaine, de George Segal à Liu Xue en passant par Ron Mueck et Maurizio Cattelan

Antony Gormley et Les « corps abstraits »

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« Ce dont nous pouvons être sûrs, c’est que nous avons un corps et une conscience. Ce terrain commun de l’incarnation est le point de départ du véhicule de mon art. Nous avons tous un corps, c’est la condition matérielle pour être un humain. »

Gormley.

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Antony Gormley et le retour de la statuaire

Antony Gormley est un des acteurs majeurs du retour à la statuaire. En effet l’artiste s’oppose à toute représentation et toute narration tout en voulant parler et donc « figurer » l’Homme, ou plutôt le corps humain. Pourtant, les corps sculptés de Gormley figurent l’Homme sans sexe, rarement ou tout du moins pas représenté comme le signe d’un genre mais plutôt comme une des fonctions du corps. Ces corps abstraits sont aussi sans visage ni action.

La photographie d’Erwin Olaf est un astucieux mélange de sophistication et de provocations mêlant les genres pour mieux semer la confusion et créer de multiples tensions narratives

La Staged Photography est un courant important de la photographie contemporaine, il procède par subversion et reconstruction de l’effet de réel

Gregory Crewdson est un des chefs de file de la Staged Photography, il se distingue par l’inquiétante étrangeté de ses images

Philip-Lorca diCorcia, est un photographe américain qui témoigne de la post-modernité à partir de savantes mises en scène et procédures de captures

Alex Prager est une plasticienne américaine qui pratique une photographie cinématographique citant les sixties pour mieux en faire éclater le modèle

Jeff Wall est un photographe qui par des mises en scènes cinématographiques documente son époque à travers des narrations savantes et mystérieuses

Suspensions cinématographiques

Gregory Crewdson présente sa dernière série de photographies “Cathedral of the Pines”, à la galerie Gagosian, New York.

Crewdson met en scène une Amérique dont l’étrangeté doit bien plus à la tradition littéraire, picturale et cinématographique qu’à la réalité sociale. Il y a à la fois une mise en abîme par la représentation du réel via le fictif, mais aussi par la profusion de détails et l’aspect acéré de la prise de vue à la chambre grand format, ou encore l’intrusion presque systématique du fantastique.

La Nouvelle Vision est le pendant français de la Nouvelle Objectivité allemande et la Straight Photography américaine. Elle exprime dans la lignée du Bauhaus une confiance renouvelée dans la modernité et le progrès

L’activité de Tina Modotti en tant que photographe n’aura duré que 7 ans. Pourtant elles concentrent tous les grands mouvements politiques et culturels du début du 20° siècles et annoncent certaines des problématiques les plus aiguës de notre temps

Candida Höfer, de la distance aux détails

« C’est la vision du Cyclope, non celle de l’homme que donne la caméra » — Pierre Francastel, Peinture et Société.

Candida Höfer est une des chefs de file de la Photographie Objective allemande. Sa démarche se différencie des autres plasticiens photographes attachés à ce mouvement (Thomas Ruff, Thomas Struth, Andreas Gursky, Thomas Demand ou Axel Hütte) par une approche fidèle à la tradition photographique. Elle utilise, en effet, une chambre grand format argentique, en pose longue, sans adjonction d’éclairement autre que la lumière naturelle ou celle dont elle dispose sur le lieu. La technique utilisée ne suffit évidemment pas à rendre compte de l’originalité de son travail, ce point a néanmoins son importance en regard des artifices utilisés par les autres tenants de la Photographie Objective. La spécificité de l’appréhension du réel propre à Candida Höfer réside avant tout dans le paradoxe d’une saisie extrêmement méthodique et rigoureuse procurant à l’image rendue un aspect analytique et distanciée et, dans le même temps, une profusion étourdissante de détails, confinant souvent au baroque.

Ursula Schulz-Dornburg est exposée à la MEP dans le cadre d’une importante rétrospective permettant de découvrir une photographie des confins et lisières

Jan Groover un « nouveau réalisme » photographique

« Jan Groover voulait que toute la surface de la photo ait le même magnétisme et la même importance. » — Bruce Boice.

Jan Groover est une artiste plasticienne mais surtout une photographe singulière un peu oubliée de nos jours, elle a pourtant eu un impact puissant sur un grand nombre de photographes contemporains américains dont Gregory Crewdson* ou Philip Lorca DiCorcia qui ont été ses étudiants. L’oeuvre de Jan Groover est largement dominée par le formalisme et une forme d’abstraction photographiquequi n’excluent pas des aspects néo-classiques et narratifs proprement postmodernes.

Raphael Dallaporta est un photographe qui documente en subvertissant le médium photographique pour se livrer à une réflexion plus générale sur le monde

Alex Majoli est un photojournaliste éminent de l’agence Magnum depuis 8 années il parcourt le monde pour en donner une autre image profondément théâtrale

Todd Hido est un photographe qui maintient ensemble des lignes de forces contradictoires notamment le documentariste et l’onirisme

Thomas Demand est une sorte architecte plasticien qui réalise des maquettes à partir d’images d’archives pour les réduire à leur seule géométrie abstraite

Thomas Struth, Habitus et chaos

Thomas Struth, (né en 1954), est un photographe allemand ancien élève de Gerhard Richter puis de Bernd et Hilla Becher.

Thomas Struth et l’Ecole de Düsseldorf

Le travail de Thomas Struth est très marqué par sa formation initiale. De Gerhard Richter il retient, dans la droite ligne du minimalisme et de l’art conceptuel, la volonté de se déprendre de toute subjectivité, en tentant de maintenir une approche analytique du sujet compris comme un objet formel du médium utilisé. Le référent est d’une certaine manière détaché du réel et absorbé et « digéré » par le « milieu » du moyen de représentation.

Albert Renger-Patzsch est un photographe allemand considéré comme un des chefs de file de la Nouvelle Objectivité qui libéra la photographie de la peinture

Andreas Gursky, qui est historiquement affilié à la photographie objective allemande et l’Ecole de Düsseldorf, est formellement assez proche de ce courant mais sur le fond il se rapproche davantage d’une certaine forme de romantisme en particulier s’agissant du sentiment du sublime

Wolfgang Tillmans a renouvelé la photographie plasticienne en transgressant les frontières entre les genres et en proposant des accrochages iconoclastes.

Thomas Ruff ou de l’impossibilité d’enregistrer la « réalité réelle »

Thomas Ruff (né en 1958), a été l’élève de Bernd et Hilla Becher. Il a adopté de ses professeurs illustres la frontalité de la photographie et l’aspect « objectif ». Bernd et Hilla Becher sont des tenant de « la nouvelle objectivité » héritée du Bahaus, dont Laszlo Moholy Nagy est l’illustre représentant. Ce dernier pensait que l’appareil photographique serait susceptible de donner une vision objective et sans affect de la réalité.

La photographie parce qu’elle à avoir avec le temps révolu et retenu est peut-être le médium par excellence pour exprimer la délicatesse et la résilience

Raoul Hausmann, un des pères du dadaïsme, et la Sensorialité Excentrique, ou comment ne pas séparer l’art de la vie, d’une vie éveillée par l’art.

La photographie parce qu’elle à avoir avec le temps révolu et retenu est peut-être le médium par excellence pour exprimer la délicatesse et la résilience

Sophy Rickett est une photographe qui associe photographies, vidéos et textes. Elle s’est rendue célèbres avec la série subversive Pissing Women

Coco Capitan est une jeune photographe plasticienne au succès fulgurant, à 27 ans tout juste, une importante rétrospective lui est consacrée à la MEP, intitulée Busy Living

Talia Chetrit est une jeune artiste conceptuelle américaine qui fait de l’image photographiée et de l’objectif qui la capture le centre de sa démarche

Claire Tabouret la jeune artiste peintre française au succès foudroyant expose à la Collection Lambert en Avignon sous le thème des Veilleurs

Jenny Saville une artiste peintre contemporaine qui questionne la représentation du corps féminin dans une manière monumentale proche de la sculpture.

Todd Hido est un photographe qui maintient ensemble des lignes de forces contradictoires notamment le documentariste et l’onirisme

Pixy Liao est une jeune plasticienne chinoise qui à travers l’écriture photographique et les jeux de mots visuels interroge les conventions qui régissent les relations de couples, l’hétérosexualité et les relations humaines en général. Experimental relationship tel est son credo

Maisie Cousins est une jeune photographe britannique qui conjugue avec beaucoup de force le féminisme à un érotisme subversif dionysiaque et enjoué

Bettina rheims à fait de la féminité le centre de sa démarche en dépit des controverses et ceci dans une démarche transgressive affranchie de tout machisme

La photographie parce qu’elle à avoir avec le temps révolu et retenu est peut-être le médium par excellence pour exprimer la délicatesse et la résilience

Irving Penn à part de son travail de photographe de mode n’a jamais cessé d’aborder de manière originale et peu conventionnelle la photographie de nu

Brooke DiDonato (née en 1990 dans l’Ohio, vit et travaille principalement à New-York) dans la filiation d’un Guy Bourdin et des surréalistes nous offre dans son travail ce qu’elle désigne elle-même comme « des gourmandises pour les yeux ». Il faut immédiatement préciser d’étranges gourmandises. Entre Guy Bourdin et les surréalistes la photographe américaine procède à des collages amenant à des collisions visuelles, des télescopages qui font émerger l’imaginaire, l’étrange et l’onirisme à partir de situations des plus banales. Elle emprunte à Guy Bourdin une réduction de moyen similaire, une certaine sensualité distanciée et matinée d’un aspect doucereux ; aux surréalistes elle reprend le collage et les « hasards objectifs ».

Ren Hang plus qu’un photographe est un poete visuel qui compose en images des jeux de mots ou de signes. Il procède par collages, collisions et inversions.

Talia Chetrit est une jeune artiste conceptuelle américaine qui fait de l’image photographiée et de l’objectif qui la capture le centre de sa démarche

La photographe anglaise Polly Penrose fait de son corps un accessoire prenant place dans des lieux abandonnés qui deviennent alors des sculptures visuelles

Pixy Liao est une jeune plasticienne chinoise qui à travers l’écriture photographique et les jeux de mots visuels interroge les conventions qui régissent les relations de couples, l’hétérosexualité et les relations humaines en général. Experimental relationship tel est son credo

Bettina rheims à fait de la féminité le centre de sa démarche en dépit des controverses et ceci dans une démarche transgressive affranchie de tout machisme

Yung Cheng Lin est un artiste taïwanais illustrateur, sculpteur et photographe qui soumet le corps féminin à d’étranges métamorphoses

Anna di Prospero est une jeune photographe italienne qui tient une sorte de journal intime rappelant par certains aspects le travail de Francesca Woodman

Chiharu Shiota est une plasticienne japonaise mondialement connue pour ses installations épurées son œuvre s’avère cependant plus complexe que cette image

Le nu photographique avec Carla van de Puttelaar s’érige, par son souci du détail sa proximité avec l’épiderme du modèle au rang de portrait de femmes nues

Ren Hang, photographe chinois héritier de Nobuyoshi Araki qui met en scène des instantanés de corps nus qui sont autant de phantasmes plein de dérision

L’activité de Tina Modotti en tant que photographe n’aura duré que 7 ans. Pourtant elles concentrent tous les grands mouvements politiques et culturels du début du 20° siècles et annoncent certaines des problématiques les plus aiguës de notre temps

Peter Hujar est un photographe américain emblématique des années underground new-yorkaises des années 70/80 Il réalisait des portraits saisissants du temps

Henry Wessel est un photographe de rue il déambulait en Californie avec son Leica se disposant au hasard puis revenu au studio il assemblait des histoires

La photographie à la dérobée

“I’m a sort of spy.” — Vivian Maier. Le travail de Vivian Maier (originellement Mayer, modifié en Maier lors de la naturalisation de son père) a été découvert fortuitement par un jeune homme, John Maloof, féru de ventes aux enchères et travaillant sur un livre retraçant l’histoire de Chicago. En 2007 ce dernier acquiert, en vue d’enrichir sa documentation, pour la somme de 380 dollars, un lot de photographies par milliers de Vivian Maier. Tout d’abord peu intéressé par cette acquisition il l’a remise dans ses archives. Deux années plus tard, il revient sur ce lot, le numérise et réalise la qualité des photos qu’il a en sa possession. Il approche dès lors les acheteurs des autres lots et les récupère à moindre coût. Il se lance également dans une première recherche généalogique et biographique avec l’appui de Goldstein, un autre collectionneur. Un documentaire intitulé « Finding Vivian Maier » et plusieurs publications suivront révélant au public une œuvre remarquable, auréolée de mystère du fait de la personnalité atypique autant que secrète de Vivian Maier, gouvernante de métier et photographe d’exception. Depuis Vivian Maier est rentrée de plein pied dans le panthéon des photographes les plus remarquables de la Street Photography.

Emmet Gowin est un photographe américain qui a ouvert la voie à la photographie intimiste en tentant de fixer sa fascination pour la vie simple de Danville.

Nobuyoshi Araki est un narrateur plus qu’un photographe, il a fait de son oeuvre une mythologie personnelle en forme de journal photographique apocryphe

Sylvie Selig, biographie et galeries d’images

Deborah Turbeville a, dans années 1960, initié une nouvelle approche de la photographie de mode qui a été déterminante

Sophy Rickett est une photographe qui associe photographies, vidéos et textes. Elle s’est rendue célèbres avec la série subversive Pissing Women

Sara Punt est une jeune photographe néerlandaise qui appréhende la photographie comme une chorégraphie qui sculpte et stylise les corps

Marthe Bonnard, la femme et égérie de Pierre Bonnard, est souvent considérée comme un mystère. L’origine même de sa relation à son futur mari repose sur une invention

Adrian Ghenie avec Jungles In Paris à la galerie Ropac fait preuve d’une virtuosité stupéfiante à travers un syncrétisme stylistique presque sauvage

Adrian Ghenie explore, à travers une peinture figurative bousculée par une forme d’abstraction gestuelle, la monstruosité, la dysmorphie

Marlene Dumas dans la série Magdalena reprend le thème complexe de Marie-Madeleine pour livrer des portraits puissants de femmes exposées et fragiles

Max Beckmann, Hölle der Vögel (l’Enfer des oiseaux) en vente chez Christie’s est parvenu au marteau au prix record de 40,8 M€

Karel Appel c’est une peinture qui tente la voie de l’immédiateté sans s’encombrer du débat entre figuration et abstraction, un humanisme barbare

Marlene Dumas n’est préoccupée que d’une chose la figure, durant toute sa carrière elle n’a peint que portraits, vanités, masques

Ronan Barrot est un artiste peintre français contemporain qui s’inscrit dans l’histoire de la peinture à l’image d’un Eugène Leroy ou Rebeyrolle

Marion Davout, jeune peintre française qui figure le réel suggéré par la mémoire dans un langage expressionniste jouant avec les limites de l’abstraction

Markus Lupertz a pour motif la peinture elle même et son histoire il en fait ployer avec fureur tous les styles et les grands mythes iconographiques

Marthe Bonnard, la femme et égérie de Pierre Bonnard, est souvent considérée comme un mystère. L’origine même de sa relation à son futur mari repose sur une invention

Sean Landers est un artiste conceptuel américain qui se livre à une sorte d’autofiction picturale empreinte de mélancolie, de dérision et d’un humour constant

Serban Savu avec Adrian Ghenie fait partie de l’Ecole de Cluj mais chez Savu l’expressionnisme fait place à une sorte de post réalisme socialiste poétique

Rinus Van de Velde est un artiste qui pratique une peinture autobiographique fictionnelle sous la forme d’une écriture figurative étourdissante

Vilhelm Hammershøi peint l’architecture comme des vivants et les humains aussi muets que des objets, une œuvre à caractère intimiste et méditatif

Michaël Borremans dans un tableau intitulé The Banana se livre avec une bonne dose d’ironie à un exercice de style virtuose et particulièrement efficace

Giulia Andreani peint comme si elle exhumait de l’Histoire la petite histoire des fictions/mythes politiques et totalitaires qu’elle déstructure avec ironie

Nature et perception dans l’art

Réplique de la grotte de Lascaud.

Une grande particularité de l’art moderne est d’avoir, sous la poussée des avant-gardes, ouvert le champ artistique au-delà de la représentation, de l’imitation et du champ de l’objet artistique. L’art – tout du moins la peinture et la sculpture – a fini par dépasser son propre cadre pour tenter d’interagir avec le “regardeur” en sollicitant son champ perceptif, qu’il s’agisse du regard comme du toucher, ou de la notion d’espace et de temps. Ce n’est évidemment pas une idée complètement inconnue des formes d’expressions antérieures puisque le théâtre, l’architecture, et plus proches de nous, les problématiques soulevées par “l’œuvre d’art totale” (Wagner) mais aussi les impressionnistes, avaient déjà abordé ce sujet. On assiste néanmoins à un retour de la Nature, de la relation de l’homme à cette dernière, souvent pour remettre en cause nos grilles de lecture ou encore dans un va-et-vient ironique ou désenchanté de l’artificiel au naturel, comme dans le cas de Giuseppe Penone. D’autres artistes comme Marie Luce Nadal ou Theo Jansen s’évertuent à isoler les éléments à travers des mécanismes ouvertement minimalistes. Henrique Oliveira, au travail fascinant, réintroduit la puissance débordante d’une nature déracinée à travers des installations qui peuplent les espaces de racines et autres branches et troncs d’arbres factices…

Nicolas Floc’h, un regard esthétique engagé

La passion de Nicolas Floc’h, ce qui le concerne intimement, c’est le rapport à l’eau, la mer, l’océan, il pratique en effet la plongée en apnée et bouteille depuis l’enfance. De cet attachement subjectif est né un souci plus général qui est de savoir comment rendre compte de ce qui est caché à la plupart de ses congénères, qui n’est pas même perçu comme un paysage par le commun des mortels mais plutôt tel un élément propice aux loisirs, à la production, à une contemplation en surface, terrestre. Une sorte de miroir du ciel, souvent apaisant, parfois menaçant. Le continent maritime est inconnu de presque tous sinon à travers les camé-ras de documentaires qui ne voient non pas le paysage sous-marin, mais une faune étrangère, un milieu extérieur à découvrir de manière fragmentaire. Le continent des eaux est comme un milieu barbare, un objet relégué au rang de milieu où les « bêtes » maritimes peuvent s’ébattre sous notre œil d’observateur d’un vivant dont nous ne sentons plus l’intime parenté. Nicolas Floc’h à travers sa passion toute personnelle veut donc documenter de manière critique et active, par le truchement notamment de l’histoire de l’art, un milieu qui ne nous est pas exogène, auquel nous appartenons également, qui interagit activement avec nous.

La photographie en se dégageant de l’emprise de la plastique picturale s’est immédiatement saisi de la question du paysage moderne jusqu’à l’anthropocène

Tomàs Saraceno « On Air », au Palais de Tokyo

Tomàs Saraceno, l’artiste pluridisciplinaire argentin, nous pose indirectement, à travers ses installations poétiquement scientifiques visant à confronter les plans de réalité, une question périlleuse : qu’est-ce que l’art ?

En effet, pourquoi des araignées tissant librement leurs toiles constitueraient un objet muséal, une installation « artistique » « digne » d’être exposée dans un « temple » (le Palais de Tokyo) postmoderne de la Culture.

Le sourire n’est pas si fréquemment représenté que cela dans les arts visuels sa figuration plastique a connue bien des vicissitudes

Digressions sur la prolixité de la peinture

Peinture et langage: le référent et les références

Un tableau nous parle, oui nous parle, et de bien des manières.

Les signes les plus superficiels que nous communique le tableau c’est ce que Barthes appelait concernant la photographie: le « studium ». C’est-à-dire ce que dit l’œuvre à travers notre culture et donc l’histoire de la peinture, et plus largement les arts visuels. On reconnait tel style, tel héritage. Au delà on pourrait aussi en évoquant Bourdieu parler d’identification de classe, etc.

La photographie en se dégageant de l’emprise de la plastique picturale s’est immédiatement saisi de la question du paysage moderne jusqu’à l’anthropocène

Candida Höfer, de la distance aux détails

« C’est la vision du Cyclope, non celle de l’homme que donne la caméra » — Pierre Francastel, Peinture et Société.

Candida Höfer est une des chefs de file de la Photographie Objective allemande. Sa démarche se différencie des autres plasticiens photographes attachés à ce mouvement (Thomas Ruff, Thomas Struth, Andreas Gursky, Thomas Demand ou Axel Hütte) par une approche fidèle à la tradition photographique. Elle utilise, en effet, une chambre grand format argentique, en pose longue, sans adjonction d’éclairement autre que la lumière naturelle ou celle dont elle dispose sur le lieu. La technique utilisée ne suffit évidemment pas à rendre compte de l’originalité de son travail, ce point a néanmoins son importance en regard des artifices utilisés par les autres tenants de la Photographie Objective. La spécificité de l’appréhension du réel propre à Candida Höfer réside avant tout dans le paradoxe d’une saisie extrêmement méthodique et rigoureuse procurant à l’image rendue un aspect analytique et distanciée et, dans le même temps, une profusion étourdissante de détails, confinant souvent au baroque.

Les femmes sont omniprésentes dans l’art mais le plus souvent à titre de modèles ou de muses, la photographie a joué un rôle libérateur sur ce point

La « Frileuse » ou « l’Hiver » par Jean-Antoine Houdon, l’un des plus importants sculpteurs français du 18° siècle, surtout connu pour ses bustes. La Frileuse est pour l’époque une audacieuse innovation !

Cent ans après l’ouverture du Bauhaus cette école d’art reste toujours bien présente dans le monde entier notamment dans le design et l’architecture

Catherine Balet est une plasticienne qui utilise la photographie numérique et ses moyens de manipulation comme un outil de décomposition et reconstruction.

Guillaume Hebert, Prix du Public 2018 du Festival Circulations(s), pratique la photographie comme un moyen critique sur notre époque, dans la série Updated Landscape il confronte la modernité à des paysages sublimés de la peinture classique

Thomas Demand est une sorte architecte plasticien qui réalise des maquettes à partir d’images d’archives pour les réduire à leur seule géométrie abstraite

Thomas Struth, Habitus et chaos

Thomas Struth, (né en 1954), est un photographe allemand ancien élève de Gerhard Richter puis de Bernd et Hilla Becher.

Thomas Struth et l’Ecole de Düsseldorf

Le travail de Thomas Struth est très marqué par sa formation initiale. De Gerhard Richter il retient, dans la droite ligne du minimalisme et de l’art conceptuel, la volonté de se déprendre de toute subjectivité, en tentant de maintenir une approche analytique du sujet compris comme un objet formel du médium utilisé. Le référent est d’une certaine manière détaché du réel et absorbé et « digéré » par le « milieu » du moyen de représentation.

Énigmatique le dragon stimule depuis des millénaires l’imagination, inspirée du réel son image rejoint les forces mythiques du Bien ou Mal

Andreas Gursky, qui est historiquement affilié à la photographie objective allemande et l’Ecole de Düsseldorf, est formellement assez proche de ce courant mais sur le fond il se rapproche davantage d’une certaine forme de romantisme en particulier s’agissant du sentiment du sublime

La carrière de Andres Serrano s’est construite sur le scandale or l’artiste américain est surtout un polémiste imprégné de religion et de spiritualité

Wolfgang Tillmans a renouvelé la photographie plasticienne en transgressant les frontières entre les genres et en proposant des accrochages iconoclastes.

Thomas Ruff ou de l’impossibilité d’enregistrer la « réalité réelle »

Thomas Ruff (né en 1958), a été l’élève de Bernd et Hilla Becher. Il a adopté de ses professeurs illustres la frontalité de la photographie et l’aspect « objectif ». Bernd et Hilla Becher sont des tenant de « la nouvelle objectivité » héritée du Bahaus, dont Laszlo Moholy Nagy est l’illustre représentant. Ce dernier pensait que l’appareil photographique serait susceptible de donner une vision objective et sans affect de la réalité.

Digressions sur la prolixité de la peinture

Peinture et langage: le référent et les références

Un tableau nous parle, oui nous parle, et de bien des manières.

Les signes les plus superficiels que nous communique le tableau c’est ce que Barthes appelait concernant la photographie: le « studium ». C’est-à-dire ce que dit l’œuvre à travers notre culture et donc l’histoire de la peinture, et plus largement les arts visuels. On reconnait tel style, tel héritage. Au delà on pourrait aussi en évoquant Bourdieu parler d’identification de classe, etc.

Philippe Cognée est artiste peintre français qui poursuit une voie originale par sa technique à l’encaustique mais aussi son obsession pour la décrépitude

Apolonia Sokol est une jeune peintre qui forge tout son oeuvre sur le portrait et l’autoportrait où elle dresse la description intime de sa tribu

Claire Tabouret la jeune artiste peintre française au succès foudroyant expose à la Collection Lambert en Avignon sous le thème des Veilleurs

François Malingrëy découvert au Salon de Montrouge Palais de Tokyo en 2015 reprend avec ironie le flambeau du réalisme tout du moins du point de vue formel

Claire Tabouret la jeune artiste peintre française au succès foudroyant expose à la Collection Lambert en Avignon sous le thème des Veilleurs

Muriel Rodolosse est une peintre française, née en 1964, qui a pour particularité de peindre sous plexiglas. C’est sa marque de fabrique et l’arête conceptuelle où oscille son travail.

Aurore Pallet est une jeune artiste peintre française qui à partir de glacis complexes et miroitant travaille sur l’obscurité, les pénombres et la lumière qui en émane. Son œuvre est dans tous les sens un objet de réflexions

Jean-Baptiste Boyer est un jeune artiste peintre français qui pratique une forme ironique de néo-réalisme, inspiré ouvertement de Manet ou Courbet

Marion Bataillard est une jeune artiste lauréate du 60ème salon de Montrouge qui à travers une peinture à connotations expressionnistes questionne le corps

Jeremy Liron est un jeune artiste peintre français qui autour de l’architecture et sous la lumière du Sud construit un discours pictural mélancolique

Lionel Sabatté est un jeune plasticien français qui à partir de rebuts organiques et urbains recrée un bestiaire fantastique et hanté par ce qui reste

Eva Nielsen est une jeune peintre qui développe une œuvre comme une élégie du suburbain, les lieux et leurs images se mêlent dans des sérigraphies savantes

Farah Atassi c’est une peinture de l’ornemental qui pourrait faire penser à de l’Art Brut par son aspect itératif, entropique si il n’était si savant

Paul Cupido est un photographe qui s’inspire du bouddhisme Zen pour tenter de donner à voir un moment d’équilibre au sein de l’impermanence de toute chose

Sally Mann expose au musée du Jeu de Paume. Il s’agit là de la plus grande rétrospective consacrée à la photographe américaine en France

Emmet Gowin est un photographe américain qui a ouvert la voie à la photographie intimiste en tentant de fixer sa fascination pour la vie simple de Danville.

Comment photographier les corps ?

Si on exclut la photographie de charme et érotique le nu en photographie se présente sous bien des aspects. On ne peut qu’en retenir quelques uns : héritier des arts plastiques quand il s’agit du pictorialisme; sous l’influence naturelle des grands mouvements esthétiques du 20° et 21° siècle; ou encore élément essentiel de certains courants de l’art moderne, tels que le Body Art, Fluxus, et bien entendu l’hyperréalisme.

Ren Hang plus qu’un photographe est un poete visuel qui compose en images des jeux de mots ou de signes. Il procède par collages, collisions et inversions.

Maisie Cousins est une jeune photographe britannique qui conjugue avec beaucoup de force le féminisme à un érotisme subversif dionysiaque et enjoué

Bettina rheims à fait de la féminité le centre de sa démarche en dépit des controverses et ceci dans une démarche transgressive affranchie de tout machisme

Le nu photographique avec Carla van de Puttelaar s’érige, par son souci du détail sa proximité avec l’épiderme du modèle au rang de portrait de femmes nues

Ren Hang, photographe chinois héritier de Nobuyoshi Araki qui met en scène des instantanés de corps nus qui sont autant de phantasmes plein de dérision

Nobuyoshi Araki est un narrateur plus qu’un photographe, il a fait de son oeuvre une mythologie personnelle en forme de journal photographique apocryphe

Comment photographier les corps ?

Si on exclut la photographie de charme et érotique le nu en photographie se présente sous bien des aspects. On ne peut qu’en retenir quelques uns : héritier des arts plastiques quand il s’agit du pictorialisme; sous l’influence naturelle des grands mouvements esthétiques du 20° et 21° siècle; ou encore élément essentiel de certains courants de l’art moderne, tels que le Body Art, Fluxus, et bien entendu l’hyperréalisme.

De l’Amazonie au territoire en passant par le portrait

Stéphane Lavoué (né en 1976, à Mulhouse, France) est un photographe portraitiste au parcours assez singulier. En effet, ingénieur de formation, il décide, après avoir exercé dans le négoce de bois en Amazonie et au Brésil, ce qui ne lui donnait pas pleinement satisfaction, de tout abandonner pour se dédier à la photographie. Au Brésil, il découvre fortuitement le travail de Sebastião Salgado sur des posters collés aux murs des favelas de Belém. Il décide alors de se consacrer à ce qu’il aime vraiment, la photographie. Muni d’un Leica M6 dès ses premiers émoluments engrangés pour se désennuyer, il capture son environnement d’alors dont il mesure la fragilité et la mise péril. En 2001, Stéphane Lavoué doit revenir en France pour des raisons familiales, il quitte, dans le même temps, son emploi d’ingénieur et suit une formation au Centre Iris pour la photographie de Mulhouse. Il travaille rapidement dans le domaine du reportage, notamment pour Libération.

Nicolas Floc’h, un regard esthétique engagé

La passion de Nicolas Floc’h, ce qui le concerne intimement, c’est le rapport à l’eau, la mer, l’océan, il pratique en effet la plongée en apnée et bouteille depuis l’enfance. De cet attachement subjectif est né un souci plus général qui est de savoir comment rendre compte de ce qui est caché à la plupart de ses congénères, qui n’est pas même perçu comme un paysage par le commun des mortels mais plutôt tel un élément propice aux loisirs, à la production, à une contemplation en surface, terrestre. Une sorte de miroir du ciel, souvent apaisant, parfois menaçant. Le continent maritime est inconnu de presque tous sinon à travers les camé-ras de documentaires qui ne voient non pas le paysage sous-marin, mais une faune étrangère, un milieu extérieur à découvrir de manière fragmentaire. Le continent des eaux est comme un milieu barbare, un objet relégué au rang de milieu où les « bêtes » maritimes peuvent s’ébattre sous notre œil d’observateur d’un vivant dont nous ne sentons plus l’intime parenté. Nicolas Floc’h à travers sa passion toute personnelle veut donc documenter de manière critique et active, par le truchement notamment de l’histoire de l’art, un milieu qui ne nous est pas exogène, auquel nous appartenons également, qui interagit activement avec nous.

Le photographe français Mathieu Douzenel expose au SHED une série photographique intitulée Monuments, des portraits de bunkers en déshérence

Alex Majoli est un photojournaliste éminent de l’agence Magnum depuis 8 années il parcourt le monde pour en donner une autre image profondément théâtrale

De l’Amazonie au territoire en passant par le portrait

Stéphane Lavoué (né en 1976, à Mulhouse, France) est un photographe portraitiste au parcours assez singulier. En effet, ingénieur de formation, il décide, après avoir exercé dans le négoce de bois en Amazonie et au Brésil, ce qui ne lui donnait pas pleinement satisfaction, de tout abandonner pour se dédier à la photographie. Au Brésil, il découvre fortuitement le travail de Sebastião Salgado sur des posters collés aux murs des favelas de Belém. Il décide alors de se consacrer à ce qu’il aime vraiment, la photographie. Muni d’un Leica M6 dès ses premiers émoluments engrangés pour se désennuyer, il capture son environnement d’alors dont il mesure la fragilité et la mise péril. En 2001, Stéphane Lavoué doit revenir en France pour des raisons familiales, il quitte, dans le même temps, son emploi d’ingénieur et suit une formation au Centre Iris pour la photographie de Mulhouse. Il travaille rapidement dans le domaine du reportage, notamment pour Libération.

Pierre Gonnord est un photographe qui se préoccupe essentiellement de portraits à caractère introspectif d’individus à la personnalité affirmée

Trine Søndergaard est une photographe danoise qui dépeint le silence et capture des paysages comme des portraits et réalise des portraits tels des paysages.

Nicolas Floc’h, un regard esthétique engagé

La passion de Nicolas Floc’h, ce qui le concerne intimement, c’est le rapport à l’eau, la mer, l’océan, il pratique en effet la plongée en apnée et bouteille depuis l’enfance. De cet attachement subjectif est né un souci plus général qui est de savoir comment rendre compte de ce qui est caché à la plupart de ses congénères, qui n’est pas même perçu comme un paysage par le commun des mortels mais plutôt tel un élément propice aux loisirs, à la production, à une contemplation en surface, terrestre. Une sorte de miroir du ciel, souvent apaisant, parfois menaçant. Le continent maritime est inconnu de presque tous sinon à travers les camé-ras de documentaires qui ne voient non pas le paysage sous-marin, mais une faune étrangère, un milieu extérieur à découvrir de manière fragmentaire. Le continent des eaux est comme un milieu barbare, un objet relégué au rang de milieu où les « bêtes » maritimes peuvent s’ébattre sous notre œil d’observateur d’un vivant dont nous ne sentons plus l’intime parenté. Nicolas Floc’h à travers sa passion toute personnelle veut donc documenter de manière critique et active, par le truchement notamment de l’histoire de l’art, un milieu qui ne nous est pas exogène, auquel nous appartenons également, qui interagit activement avec nous.

Candida Höfer, de la distance aux détails

« C’est la vision du Cyclope, non celle de l’homme que donne la caméra » — Pierre Francastel, Peinture et Société.

Candida Höfer est une des chefs de file de la Photographie Objective allemande. Sa démarche se différencie des autres plasticiens photographes attachés à ce mouvement (Thomas Ruff, Thomas Struth, Andreas Gursky, Thomas Demand ou Axel Hütte) par une approche fidèle à la tradition photographique. Elle utilise, en effet, une chambre grand format argentique, en pose longue, sans adjonction d’éclairement autre que la lumière naturelle ou celle dont elle dispose sur le lieu. La technique utilisée ne suffit évidemment pas à rendre compte de l’originalité de son travail, ce point a néanmoins son importance en regard des artifices utilisés par les autres tenants de la Photographie Objective. La spécificité de l’appréhension du réel propre à Candida Höfer réside avant tout dans le paradoxe d’une saisie extrêmement méthodique et rigoureuse procurant à l’image rendue un aspect analytique et distanciée et, dans le même temps, une profusion étourdissante de détails, confinant souvent au baroque.

Philip-Lorca diCorcia, est un photographe américain qui témoigne de la post-modernité à partir de savantes mises en scène et procédures de captures

Le photographe français Mathieu Douzenel expose au SHED une série photographique intitulée Monuments, des portraits de bunkers en déshérence

Ursula Schulz-Dornburg est exposée à la MEP dans le cadre d’une importante rétrospective permettant de découvrir une photographie des confins et lisières

Jan Groover un « nouveau réalisme » photographique

« Jan Groover voulait que toute la surface de la photo ait le même magnétisme et la même importance. » — Bruce Boice.

Jan Groover est une artiste plasticienne mais surtout une photographe singulière un peu oubliée de nos jours, elle a pourtant eu un impact puissant sur un grand nombre de photographes contemporains américains dont Gregory Crewdson* ou Philip Lorca DiCorcia qui ont été ses étudiants. L’oeuvre de Jan Groover est largement dominée par le formalisme et une forme d’abstraction photographiquequi n’excluent pas des aspects néo-classiques et narratifs proprement postmodernes.

Suzanne Jongmans recycle en photographie les grands maîtres de la peinture renaissance en les parant des rebuts de la société de consommation de masse

Raphael Dallaporta est un photographe qui documente en subvertissant le médium photographique pour se livrer à une réflexion plus générale sur le monde

Dirk Braeckamn est un photographe plasticien belge qui à travers une infinité de nuances de gris tente de rendre la surface sensible et sensuelle du réel.

La photographe anglaise Polly Penrose fait de son corps un accessoire prenant place dans des lieux abandonnés qui deviennent alors des sculptures visuelles

Baptiste Rabichon est un artiste français à l’ascension fulgurante, son travail se caractérise par une forme de collage syncrétique post-moderne

Cindy Sherman a fondé tout son travail sur le travestissement, en portant des masques parodiques elle tente de montrer ce qui se cache derrière eux

Thomas Demand est une sorte architecte plasticien qui réalise des maquettes à partir d’images d’archives pour les réduire à leur seule géométrie abstraite

Thomas Struth, Habitus et chaos

Thomas Struth, (né en 1954), est un photographe allemand ancien élève de Gerhard Richter puis de Bernd et Hilla Becher.

Thomas Struth et l’Ecole de Düsseldorf

Le travail de Thomas Struth est très marqué par sa formation initiale. De Gerhard Richter il retient, dans la droite ligne du minimalisme et de l’art conceptuel, la volonté de se déprendre de toute subjectivité, en tentant de maintenir une approche analytique du sujet compris comme un objet formel du médium utilisé. Le référent est d’une certaine manière détaché du réel et absorbé et « digéré » par le « milieu » du moyen de représentation.

Andreas Gursky, qui est historiquement affilié à la photographie objective allemande et l’Ecole de Düsseldorf, est formellement assez proche de ce courant mais sur le fond il se rapproche davantage d’une certaine forme de romantisme en particulier s’agissant du sentiment du sublime

La carrière de Andres Serrano s’est construite sur le scandale or l’artiste américain est surtout un polémiste imprégné de religion et de spiritualité

Jeff Wall est un photographe qui par des mises en scènes cinématographiques documente son époque à travers des narrations savantes et mystérieuses

Wolfgang Tillmans a renouvelé la photographie plasticienne en transgressant les frontières entre les genres et en proposant des accrochages iconoclastes.

Des fulgurances de la sincérité

Francesca Woodman, A eu une vie et une carrière fulgurantes. Elle s’est donnée la mort à 22 ans. Son œuvre est également fulgurante, riche et très imaginative. Ce qui caractérise le plus immédiatement le travail de Francesca Woodman c’est probablement sa sincérité mais aussi une forme d’immédiateté.

Les photographies de Francesca Woodman sont presque toujours des mises en scène, qui rappellent évidemment les grands photographes surréalistes.

Suspensions cinématographiques

Gregory Crewdson présente sa dernière série de photographies “Cathedral of the Pines”, à la galerie Gagosian, New York.

Crewdson met en scène une Amérique dont l’étrangeté doit bien plus à la tradition littéraire, picturale et cinématographique qu’à la réalité sociale. Il y a à la fois une mise en abîme par la représentation du réel via le fictif, mais aussi par la profusion de détails et l’aspect acéré de la prise de vue à la chambre grand format, ou encore l’intrusion presque systématique du fantastique.

Thomas Ruff ou de l’impossibilité d’enregistrer la « réalité réelle »

Thomas Ruff (né en 1958), a été l’élève de Bernd et Hilla Becher. Il a adopté de ses professeurs illustres la frontalité de la photographie et l’aspect « objectif ». Bernd et Hilla Becher sont des tenant de « la nouvelle objectivité » héritée du Bahaus, dont Laszlo Moholy Nagy est l’illustre représentant. Ce dernier pensait que l’appareil photographique serait susceptible de donner une vision objective et sans affect de la réalité.

Antony Gormley et Les « corps abstraits »

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« Ce dont nous pouvons être sûrs, c’est que nous avons un corps et une conscience. Ce terrain commun de l’incarnation est le point de départ du véhicule de mon art. Nous avons tous un corps, c’est la condition matérielle pour être un humain. »

Gormley.

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Antony Gormley et le retour de la statuaire

Antony Gormley est un des acteurs majeurs du retour à la statuaire. En effet l’artiste s’oppose à toute représentation et toute narration tout en voulant parler et donc « figurer » l’Homme, ou plutôt le corps humain. Pourtant, les corps sculptés de Gormley figurent l’Homme sans sexe, rarement ou tout du moins pas représenté comme le signe d’un genre mais plutôt comme une des fonctions du corps. Ces corps abstraits sont aussi sans visage ni action.

Témoignage sensible

Ce qu’il y a de si intéressant et captivant chez Grégoire Eloy, c’est qu’il est avant tout un photographe documentaire, mais que voulant se déprendre de l’extériorité du témoignage photographique documentariste, le photographe français a évolué vers une démarche plus intimiste, un engagement personnel, émotionnel. Pour autant il n’adopte pas la posture de l’artiste enveloppant le réel de sa subjectivité, de son idiosyncrasie. L’implication affective, perceptuelle, mais également, en un certain sens, “politique” de Grégoire Eloy demeure néanmoins celle du témoignage quoiqu’à fleur de perception, sans infliger ou affliger celui qui regarde, c’est à dire l’autre témoin, d’un pathos ou d’une démarche conceptuelle colorant l’épiphanie visuelle qui, alors, se vide de son ingénuité.

Michael Ackerman est un street photographer bien particulier puisque ce qu’il glane n’est rien d’autre que des instantanés d’états émotionnels

Todd Hido est un photographe qui maintient ensemble des lignes de forces contradictoires notamment le documentariste et l’onirisme

Sally Mann utilise la photographie comme un journal intime où se mêlent introspection et émotions ordinaires, parfois extatiques, souvent sensuelles.

Raoul Hausmann, un des pères du dadaïsme, et la Sensorialité Excentrique, ou comment ne pas séparer l’art de la vie, d’une vie éveillée par l’art.

L’Atlas de Gerhard Richter constitue une immense galaxie d’images prélevées dans la Presse, parmi des photographies anodines ou des clichés personnels que l’artiste allemand a construit au fil du temps. C’est à la fois une encyclopédie du non-art et le lieu du motif qui a servi de « modèle » aux « photo painting ».

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Pop Art et Minimalisme

Gerhard Richter, bien que tributaire du minimalisme et du Pop Art, n’a jamais fait du centre de son travail un décodage des signes à l’avenant du Pop Art qui ne représente pas mais décrypte, hybride, déracine, les codes de la société consumériste. C’est encore plus vrai des post Pop Art qui collent, mixent ou commentent, voire illustrent dans les cas les plus désespérés, notamment dans le registre de la peinture figurative (Bad Painting, Figuration Libre, Figuration Narrative, Trans-avangardia, et nombre de jeunes peintres contemporains).

Anselm Kiefer invité par le musée Rodin à se confronter au sculpteur de la démesure, ce n’est pas fortuit, Kiefer est également un artiste de la démesure

Eisberg ou du photo réalisme

© Gerhard Richter. Atlas.

Gerhard Richter est chez Sotheby’s. En effet,  Sotheby’s London mettra en vente le 8 mars 2017 une des trois toiles du travail de l’artiste ayant pour motif le Groenland. Ces pièces sont inspirées de photographies prises lors d’un voyage effectué en 1972. On peut voir d’ailleurs ces prises de vue dans « Atlas » l’inventaire en ligne du travail de l’artiste, (Planche d’Atlas: 359). Gerhard Richter a repris ces clichés à la suite de son divorce avec Ema en 1980 dans sa manière photo-réaliste mais avec un pathos et un esprit assez différent des séries similaires comme celle consacrée par exemple à Ulrike Meinhof. Il confie lui même que ces paysages furent une forme de catharsis. «Ce projet était… une excuse pour m’échapper… Mon problème de mariage était à son comble. Aller dans la glace, c’était comme trouver un lieu où se sentir en sécurité, un lieu où il n’y avait pas de vie, seulement de la glace» – Gerhard Richter.

Gerhard Richter. Photo réalisme et hyperréalisme

Gerhard Richter dans ses « peintures photographiques » procède par dénégation du procédé qu’il emploie, à savoir la « manière » hyperréaliste.L’étrangeté de l’hyperréalisme de Richter est donc qu’il ne l’est pas.

© Gerhard Richter. Wermeer de Delft.

Retranscription ou exploration du visible ?

Gerhard Richter ne retranscrit pas le réel, il l’explore. Ou plutôt il questionne l’image du visible. Ou encore il interroge dans une délectation virtuose le statut même de la représentation. Il part d’une photographie banale, il retranscrit son absence de qualité visuelle et dans le même temps surcharge l’imitation d’effets de glacis qui floutent l’image, de touches d’une finesse incroyables pour bien marquer le passage d’un médium à l’autre.

Gerhard Richter : Aussi vrai qu’une photo !

Gerhard Richter n’est pas hyperréaliste

Gerhard Richter en se soumettant à la reproduction d’une photographie quelconque prétend se libérer de la subjectivité du motif pour ne se consacrer alors qu’à peindre. Cette confrontation entre la reproduction mécanique et la reproduction picturale soulève de nombreuses ambigüités qui éclairent en creux la spécificité de la photographie. En cultivant la perte d’aura de l’oeuvre d’art c’est à dire « l’unique apparition d’un lointain si proche soit-il » (Walter Benjamin) Gerhard Richter ne souhaite pas conformément à l’esthétique de l’art moderne et contemporain (cf. Marshall Mc Luhan, Herbert Marcuse, Clement Greenberg, etc.) la disparition de l’œuvre d’art mais bien au contraire son existence autonome. Pour évacuer le sujet et son signifié il s’astreint à un exercice de reproductibilité, dans ce cas de figure, de photographies « sans qualité ». Mais, Richter n’est jamais dépourvu d’ironie, il introduit fréquemment le doute, les équivoques.

Agnès Geoffray est une photographe plasticienne française qui questionne la circulation des images et l’intranquillité qui les habite

La photographie en se dégageant de l’emprise de la plastique picturale s’est immédiatement saisi de la question du paysage moderne jusqu’à l’anthropocène

Philip-Lorca diCorcia, est un photographe américain qui témoigne de la post-modernité à partir de savantes mises en scène et procédures de captures

Suzanne Jongmans recycle en photographie les grands maîtres de la peinture renaissance en les parant des rebuts de la société de consommation de masse

Cindy Sherman a fondé tout son travail sur le travestissement, en portant des masques parodiques elle tente de montrer ce qui se cache derrière eux

Thomas Demand est une sorte architecte plasticien qui réalise des maquettes à partir d’images d’archives pour les réduire à leur seule géométrie abstraite

Jeff Wall est un photographe qui par des mises en scènes cinématographiques documente son époque à travers des narrations savantes et mystérieuses

Philip-Lorca diCorcia, est un photographe américain qui témoigne de la post-modernité à partir de savantes mises en scène et procédures de captures

Suzanne Jongmans recycle en photographie les grands maîtres de la peinture renaissance en les parant des rebuts de la société de consommation de masse

Alex Majoli est un photojournaliste éminent de l’agence Magnum depuis 8 années il parcourt le monde pour en donner une autre image profondément théâtrale

Cindy Sherman a fondé tout son travail sur le travestissement, en portant des masques parodiques elle tente de montrer ce qui se cache derrière eux

Jeff Wall est un photographe qui par des mises en scènes cinématographiques documente son époque à travers des narrations savantes et mystérieuses

Suspensions cinématographiques

Gregory Crewdson présente sa dernière série de photographies “Cathedral of the Pines”, à la galerie Gagosian, New York.

Crewdson met en scène une Amérique dont l’étrangeté doit bien plus à la tradition littéraire, picturale et cinématographique qu’à la réalité sociale. Il y a à la fois une mise en abîme par la représentation du réel via le fictif, mais aussi par la profusion de détails et l’aspect acéré de la prise de vue à la chambre grand format, ou encore l’intrusion presque systématique du fantastique.

Dan Flavin voulait un art libéré de l’illusionnisme et du subjectivisme tout en parvenant à une immatérialité surprenante dans le cadre du minimalisme

Photographe de la déshérence

Temps de pose et contingence

Sugimoto use de la photographie strictement pour ce qu’elle offre techniquement et substantiellement, à savoir le rapport au temps (de pose), la captation de la lumière, et la profondeur de champ.

L’intention qui préside à cet usage très restrictif de l’outil, qui est aussi le médium, est d’œuvrer comme un archéologue du futur (les séries: Theater et Seascape) ou un entomologiste (les séries « Diorama », la série « Portraits », les séries « Joe » et « Architecture »).

Les femmes sont omniprésentes dans l’art mais le plus souvent à titre de modèles ou de muses, la photographie a joué un rôle libérateur sur ce point

La photographie à la dérobée

“I’m a sort of spy.” — Vivian Maier. Le travail de Vivian Maier (originellement Mayer, modifié en Maier lors de la naturalisation de son père) a été découvert fortuitement par un jeune homme, John Maloof, féru de ventes aux enchères et travaillant sur un livre retraçant l’histoire de Chicago. En 2007 ce dernier acquiert, en vue d’enrichir sa documentation, pour la somme de 380 dollars, un lot de photographies par milliers de Vivian Maier. Tout d’abord peu intéressé par cette acquisition il l’a remise dans ses archives. Deux années plus tard, il revient sur ce lot, le numérise et réalise la qualité des photos qu’il a en sa possession. Il approche dès lors les acheteurs des autres lots et les récupère à moindre coût. Il se lance également dans une première recherche généalogique et biographique avec l’appui de Goldstein, un autre collectionneur. Un documentaire intitulé « Finding Vivian Maier » et plusieurs publications suivront révélant au public une œuvre remarquable, auréolée de mystère du fait de la personnalité atypique autant que secrète de Vivian Maier, gouvernante de métier et photographe d’exception. Depuis Vivian Maier est rentrée de plein pied dans le panthéon des photographes les plus remarquables de la Street Photography.

Des fulgurances de la sincérité

Francesca Woodman, A eu une vie et une carrière fulgurantes. Elle s’est donnée la mort à 22 ans. Son œuvre est également fulgurante, riche et très imaginative. Ce qui caractérise le plus immédiatement le travail de Francesca Woodman c’est probablement sa sincérité mais aussi une forme d’immédiateté.

Les photographies de Francesca Woodman sont presque toujours des mises en scène, qui rappellent évidemment les grands photographes surréalistes.

Piet Mondrian, la figure tutélaire de l’abstraction géométrique, a été jusqu’à la cinquantaine un peintre figuratif d’un talent exceptionnel

William Turner. Une bonne peinture peut-elle être pittoresque ?

Maurizio Cattelan après plusieurs années d’absence fait, avec une banane, un retour tonitruant sur la scène de l’art contemporain et son marché

Hicham Berrada est un peintre alchimiste qui crée des paysages fantastiques à partir de réactions physiques et chimiques plus ou moins complexes

Tomàs Saraceno « On Air », au Palais de Tokyo

Tomàs Saraceno, l’artiste pluridisciplinaire argentin, nous pose indirectement, à travers ses installations poétiquement scientifiques visant à confronter les plans de réalité, une question périlleuse : qu’est-ce que l’art ?

En effet, pourquoi des araignées tissant librement leurs toiles constitueraient un objet muséal, une installation « artistique » « digne » d’être exposée dans un « temple » (le Palais de Tokyo) postmoderne de la Culture.

Jan Dibbets est ébloui en découvrant Les Louanges de la Croix un poème du 9° siècle de Raban Maur, il décide de faire partager cette fascinante découverte

Lenny Rébéré est un jeune artiste qui travaille surtout au fusain développant une représentation du monde brouillée aux plans multiples superposés

Anish Kapoor le fameux artiste plasticien britannique expose My Red Homeland au MaM de Saint Etienne, l’impact est toujours aussi puissant

Patrick Laumond est un plasticien français qui pratique une sorte de modulation du vide par le truchement d’un lexique sculptural qu’il dénomme le Métahisme

Xu Zhen, dans le cadre de l’exposition Bentu à la Fondation Louis Vuitton l’on peut voir trois monumentales productions Post Pop Art de Xu Zhen

Chiharu Shiota est une plasticienne japonaise mondialement connue pour ses installations épurées son œuvre s’avère cependant plus complexe que cette image

Peter Hujar est un photographe américain emblématique des années underground new-yorkaises des années 70/80 Il réalisait des portraits saisissants du temps

Anselm Kiefer revient 53 ans après au couvent de La Tourette pour y exposer une trentaine d’œuvres qui s’y inscrivent parfaitement entre béton et lumière

Anselm Kiefer invité par le musée Rodin à se confronter au sculpteur de la démesure, ce n’est pas fortuit, Kiefer est également un artiste de la démesure

Eisberg ou du photo réalisme

© Gerhard Richter. Atlas.

Gerhard Richter est chez Sotheby’s. En effet,  Sotheby’s London mettra en vente le 8 mars 2017 une des trois toiles du travail de l’artiste ayant pour motif le Groenland. Ces pièces sont inspirées de photographies prises lors d’un voyage effectué en 1972. On peut voir d’ailleurs ces prises de vue dans « Atlas » l’inventaire en ligne du travail de l’artiste, (Planche d’Atlas: 359). Gerhard Richter a repris ces clichés à la suite de son divorce avec Ema en 1980 dans sa manière photo-réaliste mais avec un pathos et un esprit assez différent des séries similaires comme celle consacrée par exemple à Ulrike Meinhof. Il confie lui même que ces paysages furent une forme de catharsis. «Ce projet était… une excuse pour m’échapper… Mon problème de mariage était à son comble. Aller dans la glace, c’était comme trouver un lieu où se sentir en sécurité, un lieu où il n’y avait pas de vie, seulement de la glace» – Gerhard Richter.

Pour Anselm Kiefer la peinture est avant tout le moyen organique d’ouvrir un espace de questionnement dans la matière picturale. A voir au Centre Pompidou

Jan Groover un « nouveau réalisme » photographique

« Jan Groover voulait que toute la surface de la photo ait le même magnétisme et la même importance. » — Bruce Boice.

Jan Groover est une artiste plasticienne mais surtout une photographe singulière un peu oubliée de nos jours, elle a pourtant eu un impact puissant sur un grand nombre de photographes contemporains américains dont Gregory Crewdson* ou Philip Lorca DiCorcia qui ont été ses étudiants. L’oeuvre de Jan Groover est largement dominée par le formalisme et une forme d’abstraction photographiquequi n’excluent pas des aspects néo-classiques et narratifs proprement postmodernes.

Raphael Dallaporta est un photographe qui documente en subvertissant le médium photographique pour se livrer à une réflexion plus générale sur le monde

Baptiste Rabichon est un artiste français à l’ascension fulgurante, son travail se caractérise par une forme de collage syncrétique post-moderne

Laure Albin Guillot est une photographe de l’avant-guerre qui s’est consacrée à la promotion de la photographie. Elle promu la microphotographie décorative

La photographie comme medium revisitée par Jan Dibbets à travers une ample rétrospective par chronologique, corrélation et confrontation

Sylvie Bonnot est une plasticienne française qui à partir de la photographie mène un travaille idiosyncrasique de topologie

Cent ans après l’ouverture du Bauhaus cette école d’art reste toujours bien présente dans le monde entier notamment dans le design et l’architecture

Le courant de la Photographie Objective a été un des mouvements fondateurs de la photographie contemporaine dans son approche déconstructiviste

Michael Ackerman est un street photographer bien particulier puisque ce qu’il glane n’est rien d’autre que des instantanés d’états émotionnels

Katrin Koenning est une photographe allemande qui pratique une photographie sensorielle et phénoménologique comme un matériau plus qu’un medium

Sally Mann utilise la photographie comme un journal intime où se mêlent introspection et émotions ordinaires, parfois extatiques, souvent sensuelles.

Vasco Ascolini le photographe des clairs obscurs donne dans une exposition intitulée Persistenze une vision personnelle de ce que la photographie révèle

Pierre Gonnord est un photographe qui se préoccupe essentiellement de portraits à caractère introspectif d’individus à la personnalité affirmée

Serban Savu avec Adrian Ghenie fait partie de l’Ecole de Cluj mais chez Savu l’expressionnisme fait place à une sorte de post réalisme socialiste poétique

Adrian Ghenie avec Jungles In Paris à la galerie Ropac fait preuve d’une virtuosité stupéfiante à travers un syncrétisme stylistique presque sauvage

Adrian Ghenie explore, à travers une peinture figurative bousculée par une forme d’abstraction gestuelle, la monstruosité, la dysmorphie

Luc Tuymans pratique la peinture comme une oscillation entre dissipation et révélation du visible, son art s’efforce de figurer l’ineffable

Alex Majoli est un photojournaliste éminent de l’agence Magnum depuis 8 années il parcourt le monde pour en donner une autre image profondément théâtrale

Thomas Demand est une sorte architecte plasticien qui réalise des maquettes à partir d’images d’archives pour les réduire à leur seule géométrie abstraite

Thomas Struth, Habitus et chaos

Thomas Struth, (né en 1954), est un photographe allemand ancien élève de Gerhard Richter puis de Bernd et Hilla Becher.

Thomas Struth et l’Ecole de Düsseldorf

Le travail de Thomas Struth est très marqué par sa formation initiale. De Gerhard Richter il retient, dans la droite ligne du minimalisme et de l’art conceptuel, la volonté de se déprendre de toute subjectivité, en tentant de maintenir une approche analytique du sujet compris comme un objet formel du médium utilisé. Le référent est d’une certaine manière détaché du réel et absorbé et « digéré » par le « milieu » du moyen de représentation.

Andreas Gursky, qui est historiquement affilié à la photographie objective allemande et l’Ecole de Düsseldorf, est formellement assez proche de ce courant mais sur le fond il se rapproche davantage d’une certaine forme de romantisme en particulier s’agissant du sentiment du sublime

Thomas Ruff ou de l’impossibilité d’enregistrer la « réalité réelle »

Thomas Ruff (né en 1958), a été l’élève de Bernd et Hilla Becher. Il a adopté de ses professeurs illustres la frontalité de la photographie et l’aspect « objectif ». Bernd et Hilla Becher sont des tenant de « la nouvelle objectivité » héritée du Bahaus, dont Laszlo Moholy Nagy est l’illustre représentant. Ce dernier pensait que l’appareil photographique serait susceptible de donner une vision objective et sans affect de la réalité.

Trine Søndergaard est une photographe danoise qui dépeint le silence et capture des paysages comme des portraits et réalise des portraits tels des paysages.

Dirk Braeckamn est un photographe plasticien belge qui à travers une infinité de nuances de gris tente de rendre la surface sensible et sensuelle du réel.

Trine Søndergaard est une photographe danoise qui dépeint le silence et capture des paysages comme des portraits et réalise des portraits tels des paysages.

Dirk Braeckamn est un photographe plasticien belge qui à travers une infinité de nuances de gris tente de rendre la surface sensible et sensuelle du réel.

Vilhelm Hammershøi peint l’architecture comme des vivants et les humains aussi muets que des objets, une œuvre à caractère intimiste et méditatif

Catherine Balet est une plasticienne qui utilise la photographie numérique et ses moyens de manipulation comme un outil de décomposition et reconstruction.

Farah Atassi est une jeune artiste peintre à la carrière fulgurante dont le motif essentiel est tiré de l’histoire de l’art moderne et des avant-gardes

Tomàs Saraceno « On Air », au Palais de Tokyo

Tomàs Saraceno, l’artiste pluridisciplinaire argentin, nous pose indirectement, à travers ses installations poétiquement scientifiques visant à confronter les plans de réalité, une question périlleuse : qu’est-ce que l’art ?

En effet, pourquoi des araignées tissant librement leurs toiles constitueraient un objet muséal, une installation « artistique » « digne » d’être exposée dans un « temple » (le Palais de Tokyo) postmoderne de la Culture.

Ana Mendieta était une artiste de la performance et du body art il est pourtant impossible de la cantonner dans ces frontières bien trop étroites pour elle

Ana Mendieta était une artiste de la performance et du body art il est pourtant impossible de la cantonner dans ces frontières bien trop étroites pour elle

Chiharu Shiota est une plasticienne japonaise mondialement connue pour ses installations épurées son œuvre s’avère cependant plus complexe que cette image

Katrin Koenning est une photographe allemande qui pratique une photographie sensorielle et phénoménologique comme un matériau plus qu’un medium

David Lefebvre est un jeune artiste peintre français qui, reprenant Courbet et le moif du paysage romantique, revisite le réalisme pour le destructuer

François Malingrëy découvert au Salon de Montrouge Palais de Tokyo en 2015 reprend avec ironie le flambeau du réalisme tout du moins du point de vue formel

Jenny Saville une artiste peintre contemporaine qui questionne la représentation du corps féminin dans une manière monumentale proche de la sculpture.

Rinus Van de Velde est un artiste qui pratique une peinture autobiographique fictionnelle sous la forme d’une écriture figurative étourdissante

Adrian Ghenie avec Jungles In Paris à la galerie Ropac fait preuve d’une virtuosité stupéfiante à travers un syncrétisme stylistique presque sauvage

Adrian Ghenie explore, à travers une peinture figurative bousculée par une forme d’abstraction gestuelle, la monstruosité, la dysmorphie

Sally Mann utilise la photographie comme un journal intime où se mêlent introspection et émotions ordinaires, parfois extatiques, souvent sensuelles.

Sally Mann utilise la photographie comme un journal intime où se mêlent introspection et émotions ordinaires, parfois extatiques, souvent sensuelles.

Chiharu Shiota est une plasticienne japonaise mondialement connue pour ses installations épurées son œuvre s’avère cependant plus complexe que cette image

Photographe de la déshérence

Temps de pose et contingence

Sugimoto use de la photographie strictement pour ce qu’elle offre techniquement et substantiellement, à savoir le rapport au temps (de pose), la captation de la lumière, et la profondeur de champ.

L’intention qui préside à cet usage très restrictif de l’outil, qui est aussi le médium, est d’œuvrer comme un archéologue du futur (les séries: Theater et Seascape) ou un entomologiste (les séries « Diorama », la série « Portraits », les séries « Joe » et « Architecture »).

Art contemporain et temporalité, le temps qu’il soit uchronique, dystopique ou en acte a toujours été un objet central des arts visuels

Sally Mann utilise la photographie comme un journal intime où se mêlent introspection et émotions ordinaires, parfois extatiques, souvent sensuelles.

Elina Brotherus la photographe plasticienne finlandaise des idées en acte et virtuose de la lumière naturelle expose au Centre Contretype, Bruxelles

Duane Hanson a révolutionné la sculpture moderne en la détachant de toute recherche formelle ou expressive au profit de mises en scènes hyperréalistes

Robert Longo un artiste ambiguë

Robert Longo (né à Brooklyn en 1953) est un artiste équivoque. On ne sait pas si il faut le considérer comme un énième avatar de l’hyperréalisme dans ce qu’il a notamment de plus superficiel, voire kitsch ou même purement commercial ou un authentique artiste au prise avec une autre lecture du réel.

On peut supposer que la réponse est complexe, qu’il n’y a pas de solution univoque.

Ron Mueck, Sam Jinks permanences historiques et différences

Ron Mueck

© Ron Mueck, « Youth », 2009 | Le Caravage, « L’incrédulité de Saint Thomas », 1601/1602.

Doit-on voir des similitudes ou le fruit du hasard dans les rappels historiques de ces quelques œuvres de Ron Mueck et Sam Jinks ?

Quand on sait que la sculpture pratiquée par Mueck exige un temps terriblement long d’exécution il est évidemment impossible d’imaginer que ces similitudes soient fortuites. D’autant plus que l’artiste australien a revendiqué ouvertement certaines filiations ou références, notamment concernant « L’Incrédulité de Saint Thomas » du Caravage et la version qu’il en donne avec « Youth » (voir notre article dédié à l’analyse de cette sculpture ici).

Lee Price, la compulsion mise en scène

Lee Price : « I’m painting about compulsive activity. »

Lee Price est une artiste peintre américaine qui à travers des autoportraits hyperréalistes tente, dans une série entamée depuis plus de 7 ans, de représenter le rapport qu’on les femmes occidentales à la nourriture. Mais pas seulement, Lee Price dit vouloir aussi rendre compte de la compulsion en général, de ce besoin de se rassurer, de fuir en sachant que c’est une échappatoire promise à l’échec.

L’hyperréalisme est né avec le Pop Art. Il fut initialement dominé par la peinture, la sculpture hyperréaliste domine largement actuellement

Youth (Ron Mueck) et l’incrédulité de Saint Thomas (Le caravage)

Ron Mueck dans son œuvre « Youth » représentant un jeune afro-américain stupéfié par la découverte de sa blessure fait implicitement référence au tableau du Caravage mettant en scène la stupéfaction de saint Thomas face à la résurrection du Christ.

Le jeu des références

Ron Mueck est coutumier du fait, et joue souvent de références picturales religieuses. Parfois cette évocation des grands sujets, de la peinture renaissante en particulier, prend un tour parfaitement ironique et désabusé. C’est le cas dans l’œuvre représentant un quinquagénaire se prélassant sur matelas pneumatique et adoptant la position d’un crucifié que Ron Mueck prend un malin plaisir à épingler au mur, tel un bibelot dérisoire.

L’hyperréalisme dans la sculpture contemporaine, de George Segal à Liu Xue en passant par Ron Mueck et Maurizio Cattelan

lina Brotherus est une artiste finlandaise qui utilise la photographie comme un happening visuel qui joue avec des idées et les gestes qu’elles suscitent

Isaac Cordal est un street artist d’origine espagnole qui plutôt que le graphe ou les fresques a opté pour la sculpture urbaine miniature mise en situation

Robert Longo un artiste ambiguë

Robert Longo (né à Brooklyn en 1953) est un artiste équivoque. On ne sait pas si il faut le considérer comme un énième avatar de l’hyperréalisme dans ce qu’il a notamment de plus superficiel, voire kitsch ou même purement commercial ou un authentique artiste au prise avec une autre lecture du réel.

On peut supposer que la réponse est complexe, qu’il n’y a pas de solution univoque.

Robert Rauschenberg en 1950 pratique sur papier photo sensible les prémisses de collages qui donneront naissance aux Combine Painting

Ron Mueck, Sam Jinks permanences historiques et différences

Ron Mueck

© Ron Mueck, « Youth », 2009 | Le Caravage, « L’incrédulité de Saint Thomas », 1601/1602.

Doit-on voir des similitudes ou le fruit du hasard dans les rappels historiques de ces quelques œuvres de Ron Mueck et Sam Jinks ?

Quand on sait que la sculpture pratiquée par Mueck exige un temps terriblement long d’exécution il est évidemment impossible d’imaginer que ces similitudes soient fortuites. D’autant plus que l’artiste australien a revendiqué ouvertement certaines filiations ou références, notamment concernant « L’Incrédulité de Saint Thomas » du Caravage et la version qu’il en donne avec « Youth » (voir notre article dédié à l’analyse de cette sculpture ici).

Youth (Ron Mueck) et l’incrédulité de Saint Thomas (Le caravage)

Ron Mueck dans son œuvre « Youth » représentant un jeune afro-américain stupéfié par la découverte de sa blessure fait implicitement référence au tableau du Caravage mettant en scène la stupéfaction de saint Thomas face à la résurrection du Christ.

Le jeu des références

Ron Mueck est coutumier du fait, et joue souvent de références picturales religieuses. Parfois cette évocation des grands sujets, de la peinture renaissante en particulier, prend un tour parfaitement ironique et désabusé. C’est le cas dans l’œuvre représentant un quinquagénaire se prélassant sur matelas pneumatique et adoptant la position d’un crucifié que Ron Mueck prend un malin plaisir à épingler au mur, tel un bibelot dérisoire.

Chiharu Shiota est une plasticienne japonaise mondialement connue pour ses installations épurées son œuvre s’avère cependant plus complexe que cette image

Chiharu Shiota est une plasticienne japonaise mondialement connue pour ses installations épurées son œuvre s’avère cependant plus complexe que cette image

Nobuyoshi Araki est un narrateur plus qu’un photographe, il a fait de son oeuvre une mythologie personnelle en forme de journal photographique apocryphe

Chiharu Shiota est une plasticienne japonaise mondialement connue pour ses installations épurées son œuvre s’avère cependant plus complexe que cette image

Des fulgurances de la sincérité

Francesca Woodman, A eu une vie et une carrière fulgurantes. Elle s’est donnée la mort à 22 ans. Son œuvre est également fulgurante, riche et très imaginative. Ce qui caractérise le plus immédiatement le travail de Francesca Woodman c’est probablement sa sincérité mais aussi une forme d’immédiateté.

Les photographies de Francesca Woodman sont presque toujours des mises en scène, qui rappellent évidemment les grands photographes surréalistes.

La peinture figurative dans l’art contemporain va sur le motif, celui du champ chaotique des images de l’ère numérique

William Turner. Une bonne peinture peut-elle être pittoresque ?

David Altmejd, dans cette œuvre, Untitled 2 (Bronze Bodybuilders), on retrouve toujours la même obsession pour la narration et les boucles temporelles

Antony Gormley et Les « corps abstraits »

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« Ce dont nous pouvons être sûrs, c’est que nous avons un corps et une conscience. Ce terrain commun de l’incarnation est le point de départ du véhicule de mon art. Nous avons tous un corps, c’est la condition matérielle pour être un humain. »

Gormley.

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Antony Gormley et le retour de la statuaire

Antony Gormley est un des acteurs majeurs du retour à la statuaire. En effet l’artiste s’oppose à toute représentation et toute narration tout en voulant parler et donc « figurer » l’Homme, ou plutôt le corps humain. Pourtant, les corps sculptés de Gormley figurent l’Homme sans sexe, rarement ou tout du moins pas représenté comme le signe d’un genre mais plutôt comme une des fonctions du corps. Ces corps abstraits sont aussi sans visage ni action.

Antony Gormley et Les « corps abstraits »

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« Ce dont nous pouvons être sûrs, c’est que nous avons un corps et une conscience. Ce terrain commun de l’incarnation est le point de départ du véhicule de mon art. Nous avons tous un corps, c’est la condition matérielle pour être un humain. »

Gormley.

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Antony Gormley et le retour de la statuaire

Antony Gormley est un des acteurs majeurs du retour à la statuaire. En effet l’artiste s’oppose à toute représentation et toute narration tout en voulant parler et donc « figurer » l’Homme, ou plutôt le corps humain. Pourtant, les corps sculptés de Gormley figurent l’Homme sans sexe, rarement ou tout du moins pas représenté comme le signe d’un genre mais plutôt comme une des fonctions du corps. Ces corps abstraits sont aussi sans visage ni action.